谈梁雷钢琴组曲《我的窗》多元文化特性及演奏诠释.docVIP

谈梁雷钢琴组曲《我的窗》多元文化特性及演奏诠释 　　作为一个在美国工作生活达20 余年的中国人，中西方文化的交融在梁雷的音乐创作中是一个绕不过去的议题。但对梁雷而言，这种文化融合并非简单的兼容并蓄，更不是炫耀式地引用任何民族性的旋律调式;相反，他认为自己是一个“从人为限制的文化认同中发挥自由想象的方式来孕育音乐的作曲家”。早年，他倾向于杂糅中西方文化中的创作技巧与美学理念，在音乐中追寻佛学式的“禅定”。2001年前后，梁雷超越了这一境界，转而拥抱更多样的可能性。同时，他的多元文化音乐理念也日渐成熟：音乐中文化上的界限变得越来越模糊，其本人的音乐特征则越来越彰显--吸纳与重构各种文化元素，并提炼出独到的音乐风格。钢琴组曲《我的窗》的创作历程折射出了这种跨文化音乐理念的嬗变与升华。该作品横跨梁雷十数年创作生涯，时间跨度之大，在其作品中首屈一指。开篇《天》原属于另一套组曲《园之八》，作于1996 年;尾篇《伫听风声起》创作于6 年后(2002 年)，恰逢梁雷的转型期。《伫听风声起》基于《天》的骨架，可视作其衍生。而《光波》和《焰戏》则迟至2007 年才问世。此时，梁雷的新风格已基本成熟。随后，梁雷将这四首作品合成组曲《我的窗》。这套组曲犹如一道桥梁，让我们得以追溯梁雷十余年的创作心路历程。 　　一、第一阶段《天》(1996) 　　《天》在整套作品中篇幅最短，仅24 小节，却兼有东西方的创作技法及美学思想。梁雷创作《天》时受佛家思想影响，在作品中追寻“禅定”。这一时期的音乐多有大量留白，空灵静谧。在审美情趣上，《天》更接近于古琴音乐的表现意境。古琴音色轻柔，力度变化空间较小，通过内倾式的、细微的变化体验艺术的真谛，与禅定思想一脉相承。《天》通篇的力度变化基本在ppp 到mf 之间，少数几个f 以上力度的音，均需先按住相应琴弦再弹奏(音符上方有+号和mute 标记)，故而实际音量依然有限。与古琴音乐常用留白处理，如名曲《忆故人》中，几乎无一个音彼此相连一样，《天》从头到尾几乎保持单声部进行，并大量穿插休止符(见谱1)，音断意连。此外，《天》还借鉴了古琴的弹奏技法，即由不同指法与弦法产生同一音高上的多种音色作为旋律的重要构成部分。梁雷正是基于此而发展出自己独特的“一音多声”技法。在《天》中，由于钢琴音色范围有限，梁雷更多是通过不同音域、时值以及触键方式来拓宽单个音符的音色频谱。《天》中单个音符的音域跨度可达4个八度(F1-f2)，音长更是千变万化。而触键不仅包括常规的连奏、跳音等，更涵盖了许多20 世纪的新触键法。如前述压弦奏法(1-1)，或直接用指甲拨奏钢琴琴弦(1-5)。这两种发声方式极有可能就是在借鉴古琴的演奏技法。梁雷要求演奏者从头到尾通用一个延音踏板，进一步缩小了钢琴与古琴在音色上的差距。由于作品整体力度要求偏弱，因此贯穿始终的一个踏板并不会产生过多“混响”的效果，只会延长并柔和钢琴的音色。但延音踏板的特性也使那些更有力量的音回荡时间远远长于较弱的音。比如第7 小节的#F，mf的力度使这个音能一直延续到第11 小节甚至更久。因此在保持大体为单声部进行的基础上，这些延响更长的音形成了一个新的声部。这些音和之前的混响结合起来，营造出一种天空中点点繁星闪烁的效果：这里那里无处不在，音与音之间的联系若有若无，每个音既是独立的个体，又相互结合形成有机整体。作品的总体情绪淡泊冲和，但依然保留了内在的张力。作曲家有意避免过于戏剧性的对比转折，将听众的注意力转向更加内倾式的、细致微妙的听觉体验：每个音的长短，强弱，高低和色彩。这种充盈着东方古典式审美与演奏技法的音乐，却由西方近代的创作技法结构而成。梁雷在《天》中自由借鉴了发源于20 世纪中叶的“整体序列主义”手法，全曲由6 个基本音和6 个基本节奏型的6 次变化组合构成。6 个基本音为#F、A、B、D、E、F;前5 个音构成了东方调性中常见的五声音阶，而还原F 产生的半音阶(E-F-#F)则带来更多西方当代无调性色彩和张力。《天》中的6 种基本节奏型在印刷版中很难看出端倪。在梁雷原初的设想中，演奏者需要根据具体音乐情境对这6 种节奏型进行一定程度上的自由拉伸。但实际演出中该记谱法给不少演奏者带来很大的挑战，最后结果却仍难以实现作曲家的创作意图。因此梁雷改用更精确的记谱。原本的六种时值为十六分音符、八分音符、四分音符、二分音符、全音符和带连线的全音符，最后一种在音值上相当于两个全音符(见谱3 和表2)。梁雷曾把《天》比作“东方浮云流水的书法的影子，与西方宏大立体的建筑空间的碰撞”。乍看上去，《天》中似断似连的音符和变幻莫测的节奏是随性写意的，只有深入的研习后才揭示出这背后隐藏的严密结构。而这一东西方文化的碰撞融合仅用了24 小节，不得不令人赞叹。 　　对于演奏者而言，《天》最大的