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湘美版高三美术选择性必修5工艺第二课陶瓷装饰韵味无穷教学有感

走进教室时，窗台上摆着学生们上周捏好的素坯，有的像憨态可掬的小罐子，有的是线条简约的杯子，阳光洒在上面，泛着细腻的陶土光泽。这堂陶瓷装饰课，我原本带着精心设计的教案，准备从青花、釉里红的历史讲起，可当看到学生们眼神里藏不住的好奇，突然改变了主意——与其先讲理论，不如让他们先“触摸”韵味。

我把提前准备好的陶瓷碎片分给大家，有明清青花的缠枝莲纹，有现代陶艺家做的刻花残片，还有带着冰裂纹的汝瓷标本。小宇捧着一片青花碎片，手指反复摩挲着釉面，突然抬头问：“老师，为什么同样是画莲花，古代的线条看着特别稳，我画出来总像在‘晃’？”这个问题让课堂瞬间活跃起来，有人说可能是古代工匠练得多，有人猜是颜料的问题。我没有直接给出答案，而是拿出两支笔，一支是学生常用的水彩笔，一支是仿制的古代青花笔，让他们试着在素坯上画同样的线条。

“原来笔毛的硬度不一样！”尝试后，小宇恍然大悟，“古代的笔更挺，所以线条能稳住。”这时我再引入“技艺传承与手感培养”的知识点，结合建构主义学习理论中“学生通过主动探索建构知识”的观点，解释为什么让他们先动手再听讲——比起被动接受“古代陶瓷装饰用笔特点”，亲身对比体验后得出的结论，更能深入理解陶瓷装饰中“工具与效果”的关联。

课堂中段，学生开始在自己的素坯上尝试装饰。小彤皱着眉，反复擦掉画好的图案，我走过去时，她小声说：“我想画牡丹，可总画不出那种饱满的感觉，不像书上的那么好看。”我没有直接教她怎么画牡丹，而是拿出手机，翻出之前拍的院子里的牡丹照片，还有陶瓷博物馆里不同朝代牡丹纹的图片：“你看，现实里的牡丹花瓣是层层叠叠的，有的花瓣还会微微卷曲；而清代的牡丹纹会把花瓣画得更规整，明代的则更舒展。你不用非要画得和书上一样，不如想想你印象里的牡丹是什么样子，或者试着把花瓣的线条画得软一点，看看会不会有不一样的感觉？”

她盯着照片看了一会儿，拿起笔重新画，这次没有急着下笔，而是先在草稿纸上勾了几笔，然后慢慢在素坯上勾勒。虽然最后画的牡丹不像传统纹样那样规整，但花瓣带着自然的弧度，反而有了一种灵动的美。这让我想到，教学中不仅要传递传统工艺的技法，更要保护学生的个性化表达——根据罗杰斯人本主义教育理论，教育的核心是关注人的情感与需求，在陶瓷装饰教学中，“技法”是骨架，“情感与想法”才是让作品有韵味的灵魂。如果一味要求学生模仿传统纹样，反而会扼杀他们对陶瓷装饰的独特理解。

快下课的时候，学生们把自己的作品摆到讲台上，虽然有的纹样还很稚嫩，有的釉料涂得不均匀，但每一件作品都有自己的特点：小宇用青花笔画了简约的山水，线条虽然还有些生涩，却透着一股利落；小彤的牡丹旁边，多了两只小小的蝴蝶，她说“想让牡丹不那么孤单”；还有的学生没有画传统纹样，而是把自己喜欢的漫画角色画在了素坯上，虽然看起来和“传统陶瓷装饰”有些距离，但色彩搭配却很有创意。

我站在讲台上，看着这些带着学生体温和想法的素坯，突然觉得，陶瓷装饰的“韵味”，从来都不是只有一种样子。它可以是古代工匠笔下严谨的纹样，也可以是学生们带着青涩却充满真诚的表达。这堂原本按部就班的课，因为学生们的疑问和尝试，变得生动起来。我意识到，作为老师，我们更像是一个“引导者”，不是把“韵味”的定义灌输给学生，而是带着他们一起去探索——探索传统纹样里的历史故事，探索自己手中工具的特性，探索内心想法如何通过指尖传递到陶土上。

课后，我在教案的末尾写下：陶瓷装饰的韵味，藏在每一次笔触的轻重里，藏在每一个纹样的故事里，更藏在学生们敢于尝试、敢于表达的勇气里。未来的教学中，要多给学生一些“试错”的空间，多倾听他们的想法，因为真正的工艺教学，不仅是教学生“怎么做”，更是帮他们找到“为什么做”以及“想做出什么”的答案。毕竟，让陶瓷装饰真正“韵味无穷”的，从来不是完美的技法，而是创作者注入其中的情感与思考。