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浅谈高等美术院系教育创造力发挥与个性表现问题 　　摘要：提出了我国现阶段高等美术院系美术基础教育出现的问题：注重摹写、模仿能力训练；灌输式的教学方式抑制了学生的想象力；忽视个性的教育，并针对这些问题采取的系列措施：教学的多样性并加强教师在基础教学的指导作用；加强学生个性的培养，但同时要注重基本功。体现了创造力的发挥和个性表现在高等美术院系基础教育中的重要地位及作用。 　　关键词：创造力；个性 　　 　　美术基础教育，是一个以美术造型元素学习为核心组成的系统学习过程，通过这一知识的学习促进学生的造型能力、表现能力、欣赏评价能力、审美能力，更重要的是创造能力得到全面发展。整个课程内容分为基础领域(核心领域)、拓展领域、研究领域三大板块。基础领域是美术系统教育的骨架部分，拓展领域和研究领域是肌肉部分，学生个体知识经验是不断为肌肉提供营养的血液部分。 　　美国心理学家格茨尔指出：“创造性不仅用来解决那些人类生活中已经存在的问题，更重要的是预见和研究那些人类生活中尚不知道的问题。”长期以来，在高等美术院系基础教学中，人们的思想观念逐渐形成了一种思维定势，即教师在教学中扮演重要角色并起决定作用，教师的讲授、示范、层层评价等整个教学就是教师与学生的授受过程。教学质量也是学生从教师那里学到课本知识的质量。于是，教师满堂灌输，学生死记硬背成了该课天经地义的教学逻辑。这一切无疑就是“以教师为中心”的传统教学模式，其结果便是教学的重心转移到了教师如何有效的转播知识上，而忽视了美术教学的基本原则，即“教师之所以进入教学过程，根本目的是为了学生的‘学’，为了‘学’，能够最终摆脱教师‘教’，最终走向独立地、自主地获取知识的王国。”从而也就形成学生思想上的惰性，造就出学生的作品存在着一致性。 　　我曾经看过这样一篇文章：美国学生画苹果，老师拎着一篮苹果，让学生自己随便拿一个去画；而中国学生画苹果，则往往是由老师在黑板上画一个标准的苹果，规定好先画左，后画右，这边涂红，那边涂绿……结果虽然只有中国学生笔下的苹果画得最像，但却是千篇一律。这篇文章提示我们，美术教育过程的实施，是培养具有创造性的人才。创造力是高素质人才的主要特征。在教学过程中，教师只有引导得法，学生才能创造出意想不到的好作品。对于学生来讲，我想重要的不是画得像不像的结果，而是在于“画”的过程。固然，中国的学生画得很像，可是他们仅仅是机械地重复了老师的动作，并没有运用自己的创作思维，这样在无形中就抑制了学生的想象力和创造力。而我国现行学院美术基础教学正存在着这个问题。如果不是回避问题，我们应该承认，当前不少美术学院的基础教学中都不同程度地带有“画匠作坊”式的教学模式。 　　在学院的美术专业基础课程中，人们习惯于把素描写生，色彩写生作为基础训练课程，而把带有某种主题性的创作才视为“创作”课程。这一习惯的思维模式自五十年代以来沿袭至今，少有变异。这无形中便把基础训练与创作实践割裂并对立起来，在二者之间划拉一道鸿沟。目前，在大多数的美术专业的四年教学计划中，第一、第二个学年基本上是以素描写生与水粉写生为主，学生们所受的技法训练只是面对实物的再现性摹写。无论是教学大纲的理论要求还是教师在课堂上的实际教学，均未超出此界限。学生们只是一味摹写眼前的对象，而丝毫不涉及创造性的思维，诸如构思立意、构图布局，以及将物象按照主观需求作多种可能的非现实自由组合联系，等等。即使期间穿插了其它一些课程，如人体解剖、工笔白描之类，也仍跳不出再现性摹写的技法框框。久而久之，学生便成了客观对象的俘虏，艺术创造能力得不到发展。到了第三学年，开始分专业了。按说，此时应该开始重视和加强创作课的训练。可是第三学年仍然延续着前两年的再现性摹写训练，只是将工具材料作了些变化而已。学油画、水彩的仍是写生训练，对象还是一、二年级的老课题：静物、人物、风景；学国画的则临摹古人占去了大部分时间。如此，整个大学四年的四分之三的时间几乎被摹拟性的写生练习占去了。学生们也由此养成了离开对象便不会画画的惰性，更何谈创造性的思维与实践? 　　在长期的教学过程中，还有的老师比较注重学生模仿能力的训练，围绕着以“看画”、“临画”、“改画”为主要内容展开的，以大家“都一样”为结果的。学生模仿自然，模仿客体，模仿老师，模仿得“惟妙惟肖”通常会得到鼓励，而对学生的创造能力重视不够。当然模仿能力作为基础教育的一个部分是必需的，但模仿却不应成为教学的终结，永远的模仿就意味着停步步前。教师应该让学生明白，“肖似”与“逼真”不是艺术美的真实。齐白石画《墨荷》，并没有去表现荷花的红与绿，而是综合了荷花的本质，夸张荷花“出淤泥而不染”的精神，这正是艺术家“似与不似之间”的艺术表现。绘画的“真实”，决非等同照相机所拍摄的“逼真”。机械的模仿形同一台照相机拍出的作品