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湘美版九年级美术上册第1课《走下神坛》教学有感

第一次带着九年级学生走进《走下神坛》这节课时，我特意在讲台边放了一幅缩小版的《蒙娜丽莎》印刷品，不是常见的标准构图，而是裁掉了背景、只留下人物面部的版本。上课铃响后，我没急着讲课本里的知识点，只是把这幅画轻轻推到学生面前：“如果这是你朋友圈里刷到的一张自拍，你会怎么评价她的表情？”

后排穿蓝色卫衣的男生率先举手：“感觉她好像没怎么笑，但又不像生气，有点像偷偷想事情。”旁边女生补充：“嘴角好像有点往上翘，但眼睛里又没那么开心，有点矛盾。”我顺势把完整的《蒙娜丽莎》投影在屏幕上，看着学生们发出“哦”的小声惊叹——他们之前没注意到背景里蜿蜒的道路和朦胧的远山。“其实在500年前，人们看这幅画的眼光和我们完全不一样。”我慢慢展开话题，从文艺复兴前宗教绘画里僵硬的圣像，讲到达?芬奇如何让“神”一样的人物拥有了普通人的情绪，“就像你们刚才说的‘矛盾的表情’，正是因为这种‘不完美’，蒙娜丽莎才从画框里走出来，变成了我们能聊、能懂的人。”

这节课的难点本是让学生理解“人文主义”对美术的影响，但我发现用他们熟悉的“评价自拍”的方式切入，比直接抛出理论要有效得多。后来在小组讨论时，有个学生指着课本里波提切利的《春》说：“以前看这种画觉得都是神仙，离我们很远，但现在发现画里的女神也有飘起来的裙摆，好像风一吹就能动，和我们穿裙子跑起来的样子有点像。”听到这话我心里一暖，想起建构主义理论里说的“学习是主动建构意义的过程”，当学生能把画里的形象和自己的生活经验联系起来，那些抽象的艺术概念就自然落地了。

课上到一半，我让学生试着用铅笔在草稿纸上画“一个你觉得‘不那么神圣’的神仙”。有个男生画了个拿着冰淇淋的玉皇大帝，旁边还备注“天太热了，也想吃凉的”；还有个女生画了位坐在云朵上玩手机的嫦娥，说“她在月宫肯定也会孤单，想和别人聊天”。看着这些充满童趣的画，我忽然意识到，九年级学生虽然开始接触更深刻的知识，但依然需要用轻松的方式保持对美术的热爱。我没有纠正他们“不严谨”的创作，而是把这些画贴在教室后面的展示区，告诉大家：“艺术最怕的就是距离感，当我们敢让神仙吃冰淇淋、玩手机时，才真正读懂了艺术里的‘人’。”

下课前五分钟，我问学生：“这节课结束后，再看家里挂的画或者课本里的美术作品，你们会多注意点什么？”之前那个穿蓝色卫衣的男生说：“会看看画里的人有没有像我们一样的表情，比如有没有皱眉头，或者手是怎么放的。”另一个女生说：“会想画家画这幅画的时候，是不是也在想身边的人或者事。”这些回答没有华丽的辞藻，却恰恰说到了这节课的核心——让美术走下“知识的神坛”，变成能和生活对话的朋友。

走下讲台收拾教具时，有个女生悄悄跑过来问：“老师，下次我们还能画这样‘奇怪’的画吗？”我笑着点头，心里忽然明白，美术教学不是把知识点灌输给学生，而是帮他们打开一扇门，让他们能带着自己的感受和思考，主动走进艺术的世界。就像这节课里，我们没有刻意强调“人文主义”有多重要，却让学生在画冰淇淋玉皇大帝、聊蒙娜丽莎的表情时，悄悄把“关注人、理解人”的种子种进了心里。

现在想起这节课，最难忘的不是顺利完成了教学目标，而是学生们眼里闪烁的好奇光芒，是他们把神仙和冰淇淋联系起来时的笑声，是他们发现“原来艺术离我们这么近”时的惊喜。这些细碎的瞬间，比任何教学理论都更让我清楚：好的美术课，应该像一缕风，轻轻吹走艺术与生活之间的距离，让学生在轻松的氛围里，慢慢读懂美术里的温度与人心。