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苏少版七年级美术上册第1课《抒情与写意—中国花鸟画》教学有感

第一次带着七年级学生走进《抒情与写意—中国花鸟画》的课堂时，我特意在讲台两侧摆了两盆鲜活的绿植，一盆茉莉正缀着星星点点的白花，另一盆翠竹的叶片上还沾着清晨的露水。本以为孩子们会先被这抹生机吸引，可低头却看见前排几个学生正悄悄用指尖捻着美术课本边角，眼神里藏着几分对“花鸟画”的疏离——大概在他们眼里，这门传统艺术就像课本里的古画一样，带着些遥不可及的距离感。

我没有急着翻开课件，而是先拿起一支毛笔，在宣纸上轻轻点了一滴墨。“大家看，这滴墨落在纸上，是不是像春天刚冒头的小芽？”我一边说，一边慢慢倾斜笔杆，让墨晕顺着纸面缓缓散开，“如果我们再添几笔淡绿，它就能变成竹叶；要是加一点嫩黄，说不定就是刚开的迎春花。”话音刚落，后排一个平时不爱发言的男生忽然举起手：“老师，那墨要是晕得太大了，会不会就变成乌云了？”这句话逗笑了全班，也瞬间打破了课堂的沉闷。我顺着他的话往下说：“当然会！其实花鸟画最有意思的地方，就是没有‘标准答案’，就像我们写日记会有不同的心情，画里的笔墨也能藏着我们的想法——这就是写意画里‘借物抒情’的道理。”我刻意避开了生硬的理论讲解，而是用学生熟悉的“写日记”作类比，这正符合建构主义教学理论中“利用学生已有经验搭建知识桥梁”的原则，没想到原本有些拘谨的课堂，很快就变得活跃起来。

接下来的临摹环节，我没有让学生直接对着课本描摹，而是把提前准备好的玉兰花瓣、莲蓬分给每个小组，让他们先触摸花瓣的纹理，观察莲蓬的形态。“大家不用急着画，先看看手里的花，想想如果用毛笔表现它，该用浓墨还是淡墨？”我走到一个女生身边，发现她对着画纸迟迟不敢下笔，眼眶有点红。“是不是觉得自己画不好？”我轻声问，她点点头。我拿起她的毛笔，在宣纸上随意点了几笔：“你看，这几笔像不像花瓣落下来的样子？其实写意画不追求画得‘像’，更看重能不能画出自己的感受。你平时喜欢什么颜色？可以试着用淡彩加一点进去，让这朵花变成‘你的花’。”她犹豫了一下，蘸了一点淡粉，在墨点旁轻轻晕染开来，脸上慢慢露出了笑容。后来我发现，很多学生都在画里加入了自己的小创意：有人用浓墨画竹秆，却在竹叶上添了几点浅黄，说这是“秋天的竹子”；有人把荷花的茎画得歪歪扭扭，说这是“被风吹弯的荷花”。这些看似“不标准”的作品，却恰恰体现了美育中“尊重个体差异，鼓励个性化表达”的核心——比起教会学生画一幅“正确”的画，让他们感受到艺术可以表达自我，才是更重要的事。

下课前，我让学生把自己的作品贴在教室后面的“花语墙”上，每个人用一句话说说自己画里的“心情”。那个曾经不敢下笔的女生，在她的粉白玉兰旁写着：“今天画花的时候，我觉得很开心，好像自己也变成了一朵轻轻的花。”看着满墙色彩各异的花鸟画，听着学生们叽叽喳喳地讨论彼此的作品，我忽然意识到，教学从来不是单向的“传授”，而是师生之间的相互启发。我原本担心七年级学生难以理解传统花鸟画的意境，可学生们用他们的天真和创造力，让我重新发现了写意画里最本真的“抒情”内核——原来只要放下刻板的教学框架，用学生能听懂的语言、能参与的方式，传统艺术就能在他们心里种下一颗小小的种子，而我们要做的，就是轻轻呵护这颗种子，让它慢慢生根发芽。

这堂课后，我在教学日志里写下：“有时候，我们不需要给学生太多‘规则’，而是要给他们‘勇气’——敢于表达的勇气，敢于犯错的勇气，敢于用自己的方式感受世界的勇气。”中国花鸟画的美，从来不只在笔墨之间，更在它所承载的情感与生命力。而美术教学的意义，或许就是让学生在拿起画笔的那一刻，既能看见传统的光芒，也能看见自己内心的色彩。